sábado, 10 de agosto de 2013

viernes, 9 de agosto de 2013

Verano y veraneo

Me gusta el verano, he de reconocer que es la estación del año que mas me gusta. Los días son más largos, la luz del sol brilla mas, se vive mas en verano, solamente una pega, el calor, sobre todo si vivimos en una zona donde aprieta fuerte.

Me gusta el verano, pero no el veraneo, el veraneo actual, que si, el de mi niñez y adolescencia.

Recuerdo con verdadero encanto, aquellos veraneos de mi niñez y pubertad.Soliamos partir del 15 de Julio, al 15 de Agosto. Los primeros quince días, los pasábamos en El Escorial, un lugar con un encanto especial, muy fresquito, al atardecer, había que ponerse una rebequita,¡aquellos paseos por la explanada del Monasterio! Me impresionaba sus gentes, todas bien vestidas, y con un aire de distinción, a mí, me lo parecía. Por las tardes, mi madre nos llevaba a tomar un helado, a la heladería Los Valencianos, ¡¡que buenos aquellos helados!!, luego, cuando anochecía, nos sentábamos en una terracita, desde donde se veía el Monasterio, y nos distraíamos viendo a la gente pasar, tomábamos siempre lo mismo, una gaseosa Entonces, aun no había coca cola, y una bolsa de patatas fritas buenísimas, luego íbamos a cenar, y después al cine de verano, en el que a veces hacia frío. Por la mañana, excursiones a la sierra, La Granja, incluso Segovia. Así se nos pasaban en un santiamén los quince días escorialinos

En Agosto, íbamos a Cádiz, al Atlántico, en concreto a una playa del Puerto de Santa María, que hoy se llama Vista hermosa. Allí, ya hacia mas calor, aunque tampoco mucho, acostumbrados al calor insoportable de Bailen.

Recuerdo aquellas playas, que cuando bajaba la marea, se convertían en verdaderos campos de futbol, y era la delicia de la chiquillería. Entonces, las playas, no eran lo que son ahora, playas enormes, y con muy poca gente, siempre éramos los mismos, nos conocíamos todos, y todos los años, nos alegrábamos de vernos.

Alquilábamos una caseta de esas de lona a rayas, y en ella había hamacas de aquellas de madera, donde mi padre y mi madre se tumbaban, siempre bajo un parasol, entonces lo de broncearse ni se planteaba, los niños si que cogiamos cierto colorcito, pero los mayores, ni hablar. Por las mañanas, a tomar el baño, y a jugar por la playa. Había días, que no podíamos bajar a la playa, cuando hacia levante, la fuerza del viento era tal, que la arena, al ser levantada, te golpeaba el cuerpo, y a veces hasta te hacia sangrar, si no tenias cuidado. Mi madre, no quería que bajásemos a la playa cuanto hacia levante, pero, a pesar de todo, yo me escapaba, y me bañaba, siempre me ha gustado mucho el agua. En la playa, solo estábamos dos horitas, no como ahora, que la gente invade las playas, y permanecen en ella, mañana, tarde y noche. A la playa, hay que ir por la mañana, a tomar el baño, el permanecer en la playa todo el día, es una ordinariez. A las 2 en punto, a casa, a comer, luego, la siesta, ese gran invento hispano. A las 6, bajábamos otra vez, y paseábamos con mi madre por la orilla, y recogíamos coquinas, un molusco delicioso, que luego, mi madre nos freía. Luego, nos arreglábamos, y salíamos a pasear, y tomar nuestra gaseosa, hasta la hora de cenar, después de lo cual, nos sentábamos en la terraza, a contemplar toda la Bahía, y las luces de los barcos.

El veraneo de ahora, ha cambiado, ya no es lo mismo. Multitud de gente, invade las playas, como si fueran los Hunos, permanecen en ella, mañana, tarde y noche, algunos, hasta se quedan por la noche con sus cañas de pescar, es como si la playa, fuese a desaparecer. Están, los madrugadores, esos que a las 8 de la mañana, clavan sus parasoles en la arena, cogiendo los mejores sitios, una costumbre muy civilizada. Yo, no he ido nunca a esa hora a la playa, pero si alguna vez lo hiciere, quitaría, o cambiaria de sitio esos parasoles.

Luego, están los que hacen deporte en la playa, corren por la orilla, chapoteando y mojando al incauto que no se aparta. Los que dan patadas al balón, sin tener en cuenta que te pueden dar, o llenarte de arena. Los mas molestos de todos, son los que juegan con las palas, y una pelotita dura, que te puede sacar un ojo, generalmente, suelen ser familias, padre- hijo, padre- madre, muy ordinarios todos. Oído en una playa cercana: Nena, vamos a jugar con las palas un ratito.- No, que le pegas muy fuerte, y me haces daño en las ‘’tetas’’. SC

Están también los exhibicionistas, que lucen sus cuerpos musculados y amariconados, cargados de anabolizantes, y tatuados hasta el cielo de la boca, Dios mío, ¡que cosa mas horrible y ordinaria; antes, solo se tatuaban los legionarios. Ellas, también se las trae, también tatuadas y siliconadas, con sus tetas tamaño campana, globo, ubre, o grano, dependiendo del tamaño de las prótesis

Por ultimo, están los que creen que la playa es un restaurante, y comen, meriendan y cenan en ella, dejándolo todo sucio y sin recoger. Oído en la playa: Chica, toma un trozo de tortilla, que me ha salido buenísima.- No, que tu le pones cebolla, y luego me paso todo el día ‘’eructando’’, SC. Esta misma gente, cuando se marchan, dejan todo sucio, eso si, lavan las sillas, las fiambreras y las mesas en la playa. Oído: Paco, lávale el ‘’Chichi’’ a la nena, que lo tiene lleno de arena, y de paso, dile al Joshua, que salga ya del agua, que debe tener la ‘’pollilla’’ arrugada. SC

No es que yo no quiera que todo el mundo vaya a la playa, líbreme Dios, que vaya todo el mundo, pero de otra manera.

A la playa, se va un rato, y por la mañana, se toma el baño, y un poquito el sol y a casita. A la playa, no se va a hacer deporte, ni a exhibirse, ni a permanecer en ella todo el día, tampoco se va a comer, ni a molestar a nadie, salvo que queramos entrar a formar parte del cada vez mas numeroso grupo de la ORDINARIEZ

martes, 6 de agosto de 2013

Nº 3 B.B KING

Riley B. King más conocido como B. B. King (por su antiguo apodo «The Beale Street Blues Boy »), nacido el 16 de septiembre de 1925 en Itta Bena, Misisipi, es un famoso guitarrista y compositor de blues y jazz blues.
Según la revista Rolling Stone, ocupa el sexto puesto entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (detrás de Keith Richards y Jeff Beck).¹
Es conocido por llamar a sus guitarras Lucille, una tradición que inició en los 1950s,² e incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida

Carrera

En 1947, B. B. King comenzó grabando canciones bajo contrato con RPM Records basada en Los Ángeles. Muchas de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de "Beale Street Blues Boy", luego abreviado B. B.
En los 1950s, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como "You Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "You Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin' Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My Love".

1960-1979

En 1962, King firmó con ABC-Paramount Records.
En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum Live at the Regal en el Regal Theater de Chicago, Illinois.

B. B. King durante un concierto en Francia (1989).

Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, "The Thrill Is Gone", la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B, lo cual fue raro para un artista R&B. También se elevó al puesto 183 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la revista Rolling Stone. Ganó visibilidad en la apertura del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los éxitos de King continuaron durante los 1970s con canciones como "To Know You Is to Love You" y "I Like to Live the Love." Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard 74 veces.^{[cita requerida]}

1980-1999

Los 1980s y 1990s vieron a King grabando menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se le ve con más movimiento y realizando 300 noches en un año. En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans con el tema "When Love Comes To Town", junto a la banda irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum. En 1998 BB King y Albert King, el Big brother of blues como llamaba BB King cariñosamente a Albert en el Japan Blues Carnival de 1989. Unos años antes en 1988 BB King celebró un especial BB Kings and Friends junto a Albert King, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean, ese mismo año volvera a acudir con Albert King a otra celebración previa a los premios Grammy.

2000 al presente

En 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar Riding with the King.
En 2003, King compartió el escenario con la banda de rock Phish en Nueva Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.
En junio de 2006, King estuvo presente en la conmemoración de su primer transmisión de radio en Three Deuces Building en Greenwood, Misisipi, donde una marca oficial del Misisipi Blues Trail fue construida.
B. B. King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton. En el DVD él toca "Rock Me Baby" junto a Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan y [[Bonnie Rait]
A los 80 años, el 29 de marzo de 2006, King tocó en el Sheffield's Hallam Arena. Esta fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Europa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero convertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha previamente realizado otras giras, incluyendo la canción "Since I Met You Baby". Esta gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena.
En julio, B. B. volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio) en la décimo cuarta edición del Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el "Blues at Sunset" el 14 de julio. Durante su último actuación en Montreux, en el Salón Stravinski, tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendricks y George Duke. La gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006 en el estadio D'Coque.

Vivo en Montreaux, julio de 2006

Durante una conferencia de prensa el 29 de noviembre en São Paulo, un periodista le preguntó a King si aquella sería la gira definitiva de despedida. King contestó: "Uno de mis actores favoritos es un hombre de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de ustedes le conocerán como James Bond, 007. Hizo una película llamada Nunca digas nunca jamás".
Posteriormente, en junio de 2010, realizó una breve gira por España, interpretando sus temas más clásicos en Madrid y Valladolid. Aunque la carrera de B.B. King todavía está lejos de acabar

Vida privada

B. B. King ha sido un piloto licenciado, un conocido jugador y es también un vegetariano, no bebedor y no fumador desde sus casi 60 años.³ King ha vivido con diabetes casi diez años y ha sido un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.
El 26 de enero de 2007, durante una gira, King fue hospitalizado en Galveston, (Texas) debido a la fiebre tras una gripe. Fue dado de alta el 27 de enero, tras pasar una noche.⁴ Tuvo tiempo para terminar su gira, con su actuación el 30 de enero.

Filantropía

King es un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Forma parte de la tabla de organizaciones de los directores como miembro honorario.

Lucille

Lucille es el nombre de la guitarra más famosa de B.B. King. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de Lucille

NNº 4 Eric Clapton

Eric Clapton

Saltar a: navegación, búsqueda

Eric Clapton
Eric Clapton tocando en Hyde Park, Londres en junio de 2008
Datos generales
Nombre real	Eric Patrick Clapton
Nacimiento	30 de marzo de 1945 (68 años)
Origen	Ripley, Surrey, Inglaterra, Reino Unido
Ocupación	Guitarrista Cantante Compositor
Información artística
Otros nombres	Slowhand (Mano lenta)¹
Género(s)	Rock Blues Hard rock Blues rock Rock psicodélico
Instrumento(s)	Guitarra eléctrica Guitarra acústica Voz
Período de actividad	1962 - presente
Artistas relacionados	The Yardbirds, John Mayall & the Bluesbreakers, Powerhouse, Cream,Paul McCartney, The Beatles, Phil Collins, Luciano Pavarotti, George Harrison, John Lennon, The Dirty Mac, Blind Faith, Sheryl Crow, Freddie King, J.J. Cale, The Plastic Ono Band, Delaney, Bonnie & Friends, Derek and the Dominos, John Mayer, Elton John, T.D.F., Albert King, B.B. King, Carlos Santana, Mark Knopfler
Web
Sitio web	Sitio oficial

Eric Patrick Clapton, CBE (Ripley, Surrey, Reino Unido, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Stratocaster.² Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta),¹ desde su época en The Yardbirds y con el de "God" ("Dios") desde su época con Cream . Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirds, de Cream y por su carrera en solitario. En opinión de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas de la cultura de masas más respetados e influyentes de todos los tiempos.³ Aparece en el puesto número 2 de la lista "Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone⁴ y en el puesto número 55 de su especial "Inmortales: Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos".⁵ Además, en 2005 la revista Guitar World incluyó cinco de sus canciones entre los mejores solos de guitarra de todos los tiempos.
Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario: Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción "Change the World" o reggae en su versión del tema de Bob Marley ("I shot the Sheriff"). Algunos de sus mayores éxitos han sido los temas "Layla" de su época con Derek and the Dominos, "Sunshine of your love" con Cream y "Tears in Heaven", dedicada a su fallecido hijo, que compuso en solitario.

Nº 5 Robert Johnson.-
Robert Johnson nacido como Robert Leroy Johnson (8 de mayo de 1911 – 16 de agosto de 1938) fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues conocido como "El Rey del Delta blues." Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de canto, habilidades de guitarra, y talento en la composición que influenciaron a generaciones de músicos, a pesar de solo haber dejado un registro de 29 canciones. Su enigmática vida, pobremente documentada, y muerte a la edad de 27 años han dado lugar a la creación de muchas leyendas sobre su persona. Es considerado como el "El Abuelo del Rock-and-Roll", su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin,The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, Queen, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama "El más importante músico de Blues que haya vivido".² Ocupó el 5º puesto en la lista de "Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone.³ Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de "Early Influence"

Técnica musical

La técnica guitarrística de Robert Johnson se basa en una evolución del estilo sincopado de Son House, en el que un florido lenguaje de tresillos, glissandos y contrapuntos dialogan con la voz solista sobre un compás 4/4 de la que se encarga el pulgar, martilleando las bordonas.
Puede considerarse a Robert Johnson, junto a Blind Willie Johnson, como el gran maestro de la guitarra slide, técnica consistente en deslizar sobre las cuerdas un tubo metálico (antiguamente con un cuello de botella bottleneck), obteniendo un sonido punzante y sinuoso típico de la música afroamericana primitiva).

Legado

La vigencia del legado musical de Johnson se basa en una peculiar asunción de las estructuras musicales del blues rural anterior a él (Charlie Patton, Son House, Willie Brown, Blind Lemon Jefferson, etc.) y en la fuerza literaria de unos versos que hacen de él uno de los más insignes autores de la poesía popular estadounidense. Hay tres constantes en las letras de Johnson: lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo incesante y los terrores irracionales.⁷
Yendo un paso más allá de la simple evolución folclórica, las letras de sus canciones conforman un imaginería personal en que se mezclan motivos religiosos, sexuales y festivos que impactan al oyente gracias a una singular precisión poética. En sus canciones emerge un universo personal de expresión y creatividad, no la mera reiteración de clichés tradicionales. Su inimitable estilo vocal, salpicado de escalofriantes falsetes, su generoso sentido de la libertad interpretativa (se han conservado algunas tomas alternativas de sus canciones, que muestran versiones radicalmente distintas de una misma canción en cuestión de minutos, como en el caso de Come on in my kitchen) han hecho de él una isla aparte en la historia del blues.
Su particular estilo como cantante y guitarrista ha sido siempre admirado por artistas como Muddy Waters, Elmore James, Ry Cooder, Keith Richards, Bob Dylan o los integrantes del grupo Led Zeppelin. A través de Muddy Waters y los intérpretes británicos de blues de los años sesenta (John Mayall, Eric Clapton, Peter Green, Rolling Stones, etc.) su influencia es muy notable en el rock. La explícita Lemon song de los Led Zeppelin rinde tributo a una de las estrofas de Me and the devil blues. Eric Clapton ha dedicado recientemente un álbum entero (Me and Mr. Johnson) (el Sr. Johnson y yo) a versionar el repertorio de Robert Johnson; también el guitarrista britanico Peter Green lo ha versionado en un disco llamado "The Robert Johnson Songbook".
Los Rolling Stones, Cream, Jimi Hendrix y en especial Eric Clapton han grabado versiones de sus canciones.

Nº 6

Stevie Ray Vaughan

Saltar a: navegación, búsqueda

Stevie Ray Vaughan

Datos generales
Nombre real	Stephen Ray Vaughan
Nacimiento	3 de octubre de 1954
Origen	Dallas, Texas, Estados Unidos
Muerte	27 de agosto de 1990 (35 años)
Información artística
Otros nombres	SRV
Género(s)	blues rock texas blues rock
Instrumento(s)	guitarra, voz
Período de actividad	1965-1990
Discográfica(s)	Epic Records Sony Music
Artistas relacionados	Double Trouble, Eric Clapton, Jimmie Vaughan
Web
Sitio web	Sony Music

Stephen Stevie Ray Vaughan (3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990) fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros de blues y el rock en los años 80. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix, Freddie King u Otis Rush. La revista Rolling Stone lo cita en el lugar #12 de los mejores guitarristas de todos los tiempos.¹ También se convirtió en elegible para el Rock and Roll Hall of Fame en 2008. La revista Guitar World lo clasificó como no. 8 en su lista de los 100 guitarristas más grandes.

Stevie Ray Vaughan nació el 3 de octubre de 1954 en el Hospital Metodista de Dallas (Texas). A los siete años tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalaron una de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack, quien resultaría un importante referente para Vaughan. Lo escuchó tantas veces que su padre lo terminó rompiendo (por envidia, puesto que él era un músico frustrado).^{[cita requerida]}

Principios

Stevie continuó tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entró a la escena del blues en Austin, Texas. En un amor de verano de 1970 formó su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 dejó la secundaria y se mudó a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".
Hacia septiembre de 1977 Stevie Vaughan formó su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Posteriormente, en 1985, se uniría un cuarto integrante a la banda, Reese Wynans, un virtuoso tecladista.
Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

Montreux

El 17 de julio de 1982, la banda fue filmada tocando en un festival. Al año siguiente el mánager de Vaughan le da la cinta a Mick Jagger, lo que permitió a la banda realizar una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de abril de 1983. Poco después de eso la banda hizo la presentación más importante de su carrera cuando tocaron en el Festival Internacional de Jazz de Montreux (en Suiza), siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron silbados, pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, lo que dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de Vaughan: Live At Montreux.
Stevie Ray Vaughan progresivamente alcanzó el estrellato alrededor de esta época, cuando en 1982 contribuyó en un disco de David Bowie y en 1983 fue "descubierto" por John Hammond (responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen, entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux. Hammond le ofreció un contrato para grabar en Epic Records. Ese mismo año (1983) salió su primer álbum, Texas flood. Las repercusiones no se hicieron esperar, y la revista Guitar Player lo eligió como "mejor nuevo talento", "mejor álbum de guitarra (Texas Flood)" y "mejor guitarrista de electric blues". En ese año ganó tres premios, siendo necesario destacar también que era un debutante en la industria.
En 1984 se lanzó su segundo álbum: "Couldn't Stand The Weather". Ese mismo año, el 3 de octubre, Stevie cumplió 30 años, y los festejó con un enorme recital en el Carnegie Hall de Nueva York, con los invitados Jimmie Vaughan (segunda guitarra, hermano de Stevie), Angela Strehli (voces), Dr. John (piano) y George Rains (batería). Stevie le dijo al público que ese había sido el mejor cumpleaños de su vida. Más tarde ese mismo año, el 18 de noviembre de 1984, Stevie ganó dos National Blues Award por "Best Entertainer" (‘mejor showman’) y "mejor instrumentista de blues". Fue la primera persona blanca en ganar cualquiera de estos premios.

La rehabilitación

El 28 de septiembre de 1986, Vaughan colapsó por abuso de estupefacientes de distinta índole en Ludwigshafen (Alemania). Se las arregló para hacer dos conciertos más de la gira, pero los siguientes 13 recitales fueron cancelados. Consiguió mantenerse sobrio desde el 13 de octubre de ese año (1986) hasta su último día (1990). Vaughan hizo un enorme regreso a la escena en la primavera de 1987, cuando MTV transmitió su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach (Florida). Stevie Vaughan aparece también en la película Back to the Beach tocando "Pipeline" con Dick Dale, y por último en el especial de TV para Cinemax de B. B. King junto con Eric Clapton, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.
Otras presentaciones en vivo importantes de la época fueron su presentación en las fiestas inaugurales de la presidencia de George Bush el 23 de enero de 1989 y su presentación en los MTV Unplugged tocando "Rude Mood", "Pride And Joy" y "Testify" en guitarra acústica de 12 cuerdas. En 1990 se lanzó su disco "Family Style", que grabó junto con su hermano.

El accidente y muerte

El 27 de agosto de 1990, poco antes de la 1:00 de la madrugada, un helicóptero que llevaba a Stevie Ray Vaughan de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Mueren las cinco personas que iban a bordo. Es en una investigación posterior donde se esclarece que el accidente se debió a un error del piloto.

Equipo

Stevie Ray Vaughan solía llevar su guitarra personal Fender Stratocaster del ’59, a la que llamaba Number One. Grababa sus iniciales ("SRV") en los golpeadores de sus guitarras, las cuales tenían un color gastado.
También fue famoso por el calibre de sus cuerdas: usaba la primer cuerda en 0.13 y en algunos casos la 6ta.; después usaba en las demás equivalente a un encordado del 0.12:

primera cuerda (la más aguda): 0,13 (en vez de mi₄, la afinaba en mi♭₄
segunda cuerda: 0,16
tercera cuerda: 0,19
cuarta cuerda: 0,28
quinta cuerda: 0,38
sexta cuerda: 0,58

El calibre más ancho se debía a que Vaughan utilizaba una afinación medio tono debajo del estándar (afinaba todas las cuerdas medio tono más abajo para mantener un sonido grueso).
Fanático de Fender, no solo llevaba casi todas sus guitarras Fender, sino que también las complementaba con los amplificadores Fender Super Reverb, Fender Twin Reverb, o Fender Vibro-Verb; y en su mayoría, púas Fender medium. Su pedal más utilizado, que le daba un sonido característico, era un Ibanez Tube Screamer TS-808 (luego devenido a TS-9), en complemento de un wah-wah Cry Baby, Univibe Expression y por último un Univox Uni-Vibe.

Discografía

Oficial

1983: Texas Flood (Epic).
1984: Couldn't Stand the Weather (Epic).
1985: Soul to soul (Epic).
1986: Live Alive (Epic).
1989: In Step (Epic).

Nº 7 RY COODER

Ry Cooder (Los Ángeles, California, 15 de marzo de 1947) es un guitarrista especialmente conocido por su trabajo con la guitarra slide.
Empezó a llamar la atención en los años 1960 con Captain Beefheart and the Magic Band, después de haber trabajado con Taj Mahal en The Rising Sons y de haber tocado con The Seeds.
Cooder ha trabajado como músico de estudio y también ha realizado la banda sonora de muchas películas, de las que tal vez la más conocida sea Paris, Texas (Wim Wenders, 1984). En los últimos años, Cooder ha tenido un papel importante en la popularidad creciente de la música cubana gracias a su colaboración como productor en el disco Buena Vista Social Club (1997), que fue un éxito mundial. Wim Wenders dirigió en 1999 un documental sobre los músicos involucrados en el proyecto, obteniendo una nominación para los premios Óscar en 2000.
El trabajo en solitario de Cooder ha sido una mezcla ecléctica de folk, tex-mex, soul, gospel, rock y casi cualquier otro estilo. La lista de los músicos importantes con los que ha colaborado incluye a The Rolling Stones, Little Feat, The Chieftains, John Lee Hooker, Gabby Pahinui y Ali Farka Touré. También formó el supergrupo Little Village con Nick Lowe, John Hiatt y Jim Keltner.
Su disco de 1978 Bop Till You Drop fue el primer álbum de música popular grabado digitalmente.
La revista Rolling Stone ha nombrado a Ry Cooder con el puesto nº8 en su Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Inmediatamente tras él aparecían en la lista Jimmy Page (de Led Zeppelin) y Keith Richards (de The Rolling Stones). En los años 1960, Cooder enseñó a Keith Richards cómo tocar en la afinación abierta de sol, afinación que Richards ha usado desde entonces, incluyéndola en muchas de los canciones más grandes de los Stone

Discografia

Solo LP/CD

Ry Cooder (album)|Ry Cooder (Diciembre 1970)
Into the Purple Valley (Febrero 1972)
Boomer's Story (Noviembre 1972)
Paradise and Lunch (Mayo 1974)
Chicken Skin Music (Octubre 1976)
Showtime (Agosto 1977)
Jazz (Ry Cooder album)|Jazz (Junio 1978)
Bop Till You Drop (Agosto 1979)
Borderline (Ry Cooder album)|Borderline (Octubre 1980)
The Slide Area (Abril 1982)
Get Rhythm (album)|Get Rhythm (Noviembre 1987)
Chávez Ravine (album)|Chávez Ravine (Mayo 2005)
My Name Is Buddy (Marzo 2007)
I, Flathead (Junio 2008)
Pull Up Some Dust And Sit Down (Agosto 2011)

Compilados

Why Don't You Try Me Tonight (1986)
River Rescue - The Very Best Of Ry Cooder (1994)
Music by Ry Cooder (1995) (Set de 2 discos)
The Ry Cooder Anthology: The UFO Has Landed (Octubre 2008)

Colaboraciones

Rising Sons featuring Taj Mahal and Ry Cooder (grabado 1965/66, lanzado 1992)
Little Village (album)|Little Village (1992)
A Meeting by the River (1993) (con Vishwa Mohan Bhatt)
Talking Timbuktu (1994) (con Ali Farka Touré)
Buena Vista Social Club (album)|Buena Vista Social Club (Septiembre 1997)
Hollow Bamboo con Jon Hassell y Ronu Majumdar (bansuri) (2000)
Mambo Sinuendo (Enero 2003) (con Los Zafiros|Manuel Galbán)
San Patricio (album)|San Patricio (Marzo 2010) (con The Chieftains)

Banda Sonora

Performance (soundtrack)|Performance (1970)
The Long Riders (Junio 1980)
Southern Comfort (film)|Southern Comfort (1981)
The Border (1982)
Streets of Fire ( 1984 )
Paris, Texas (Febrero 1985)
Music from Alamo Bay (Agosto 1985)
Blue City (Julio 1986)
Crossroads (1986 film)|Crossroads (Julio 1986)
Cocktail (1988)
Johnny Handsome (Octubre 1989)
Trespass (film score)|Trespass (Enero 1993)
Geronimo: An American Legend (1993)
Last Man Standing (1996)
The End of Violence (1997)
Primary Colors (1998)

Nº8 CHUCK BERRY

Charles Edward Anderson "Chuck" Berry (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de 1926), mejor conocido como Chuck Berry; es uno de los más influyentes compositores, intérpretes y guitarristas de rock and roll de la historia.
Sin duda, Chuck Berry es la máxima influencia de guitarra dentro del rock and roll.
Si bien ningún individuo puede decirse que inventó el rock and roll, Chuck Berry viene siendo el más cercano de una cifra única a ser el que puso todas las piezas esenciales juntas.
Es una figura influyente y uno de los pioneros del rock and roll. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Bobby Troup, "Johnny B. Goode" y "Maybellene".
En 1989 publicó su autobiografía.
La revista Rolling Stone lo presenta como el intérprete n.º 5 de toda la historia en su lista "The Immortals" superado solo por The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones. La revista Rolling Stone lo cita como el sexto mejor guitarrista de todos los tiempos.
"Johnny B. Goode" su canción mas popular, es considerada la mejor canción de guitarra de la historia del rock and roll, según la revista Rolling Stone.

Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en St. Louis, Missouri. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Summer High School, esta última la primera escuela de secundaria para afronorteamericanos del oeste de Mississipi, en la que también estudió Tina Turner.
Berry había estado tocando blues desde su adolescencia y a principios de 1953 gracias a su maestro, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la Sir John's Trio, una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.
En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quien le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybellene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and roll se juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos.
En diciembre de 1959, Berry tenía problemas legales después de que contratara a una apache menor de edad, que conoció en México, para trabajar en el club Bandstand de su propiedad en Saint Louis. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963.
Ya en los años 1970 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música y a la cual pudiera contratar.
Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos.
Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis.
Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.
El documental Hail! Hail! Rock 'n Roll trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros.
Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante.
Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclito Keith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock.

Influencias

Chuck Berry es uno de los pioneros del rock and roll, como se afirma en el sitio web del Salón de la Fama del Rock:¹ "Si bien ningún individuo puede decirse que inventó el rock and roll, Chuck Berry viene siendo el más cercano de una cifra única a ser el que puso todas las piezas esenciales juntas".² Cub Koda escribió, "del rock de todos los principios de avance y artistas rock, ninguna es más importante para el desarrollo de la música que la de Chuck Berry. Él es el compositor más grande, el formador principal de la voz instrumental, uno de los mejores guitarristas, que posee la más clara dicción, y uno de sus más grandes artistas. John Lennon dijo: "Si se tratase de dar al rock and roll otro nombre, podrías llamarlo Chuck Berry".
Como pionero del rock and roll, Chuck Berry influyó significativamente en otros músicos (también pioneros) como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard y Buddy Holly.
Cuando Keith Richards le introdujo en el Hall of Fame, dijo: "Es difícil para mi presentar a Berry, porque siempre he machacado lo que él tocaba!". John Lennon, otro devoto de Berry, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You Can't Catch Me" para su canción "Come Together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry. Angus Young de AC/DC, quien ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, es famoso por imitar sobre los escenarios el "andar de pato" (duckwalk) de Berry, es un recordado paso de Rock'n roll, normalmente realizado durante un solo de guitarra que consiste saltar en un solo pie, mientras que se mantiene el otro en el aire apuntando hacia la dirección que se avanza y agitándolo hacia arriba y hacia abajo.
Mientras se discute sobre quién realizó la primera grabación del rock and roll, las primeras grabaciones de Berry, incluida "Maybelline" (1955) sintetizaron su estilo, combinando el blues y la música country con temas líricos sobre chicas y coches, con una dicción impecable acompañada de originales solos de guitarra eléctrica. Berry también utilizaría el popular éxito que alcanzaría el boogie para sus composiciones de rock and roll.
La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la Chess Records acompañado del pianista Johnnie Johnson de su propia banda, del legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, de Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra.
El productor Leonard Chess recordaba lacónicamente: "Le dije a Chuck que le daría el éxíto más grande. ¿Conocen el resto de la historia? Los chicos querían el éxito, los coches y enamorarse. Esa era la tendencia y nosotros saltamos sobre ella".
Clive Anderson escribió para el recopilatorio Chuck Berry— Poet of Rock 'n' Roll: "Mientras Elvis era un muchacho de pueblo que cantaba en cierto modo como un "negro"... Chuck Berry proporcionaba el espejo donde la imagen de la música country fue filtrada con la sensibilidad del R&B".
Las influencias musicales de Berry incluyeron a Nat King Cole, Louis Jordan y Muddy Waters, el cantante y guitarrista que presentó a Berry a Leonard Chess en la Chess Records.
A lo largo de su carrera Berry grabó baladas como "Havana Moon" y blues como "Wee Wee Hours", pero era su propio y novedoso estilo quien le condujo a la fama. Grabó más de 30 grandes éxitos y sus composiciones han sido cantadas por cientos de artistas del blues, del country y del rock and roll.
Chuck Berry un hombre que influyó mucho en su estilo, se podría decir con tranquilidad que es la máxima influencia del rock and roll, ya que sus técnicas marcaron un cambio epico en el mismo, inflluyó a muchos músicos. Como por ejemplo: Rolling Stones, The Beatles, Eric Clapton, etc.
Numerosas bandas interpretarón canciones de chuck, como por ejemplo los beatles, los cuales llegarón a interpretar más de 6 canciones suyas. A continuación una lista de bandas y artistas que han interpretado al menos una canción de Chuck:

Sus canciones

A continuación se indican las canciones que son consideradas como auténticos himnos del rock and roll:

"Johnny B. Goode" - La biografía de un muchacho de pueblo que podía "tocar una guitarra como si fuera una campana". Fue elegida como uno de los logros más grandes de la humanidad dentro de la colección de obras culturales que se mandaron en la Voyager I. La canción también sonó en la película "Back to the Future" interpretada por Michael J. Fox. La canción fue versionada por el grupo de heavy metal británico Judas Priest en su álbum Ram It Down, por Peter Tosh en su álbum Mama Africa y también por los Grateful Dead en su álbum Skull and Roses.

"Rock and Roll Music" - Una de las primeras versiones que grabaron los Beatles.

"Sweet Little Sixteen" - Con un toque de lirismo, se convertiría en un éxito en manos de los Beach Boys, al ser la base del famoso riff de guitarra de Surfin' USA.

"Roll Over Beethoven" - Versión que también grabaron los Beatles, cantada por Harrison. Más tarde versionada por Electric Light Orchestra e interpretada por George Harrison y Eric Clapton durante la gira del ex-Beatle en Japón.

"School Days" - El estribillo "Hail! Hail! Rock and Roll", fue tomado como título de un documental musical organizado por Keith Richards como tributo a Chuck. También fue versionado por la banda australiana AC/DC, además fue versionada para aparecer en el programa Los Simpsons.

"Let It Rock" - Una fantasía de los trabajadores de ferrocarriles, escrita bajo el seudónimo de E. Anderson. Ha sido interpretada por los Rolling Stones, los Yardbirds, Motörhead y Jerry Garcia.

"Little Queenie" - Canción interpretada por muchos artistas a lo largo de los años. Las versiones más populares son las hechas por Rod Stewart que la incluyó en dos álbumes, Foolish Behaviour de 1980 y el gran disco en vivo de 1982 Absolutely Live, los Rolling Stones, que aparece en el álbum Get Yer Ya-Ya's Out! y la del dueto de Jerry Lee Lewis y Kid Rock, que aparece en el DVD de Lewis llamado Last Man Standing Live. Queen hace referencia a Little Queenie en su canción Now I'm Here.

Entre sus numerosos éxitos se pueden destacar los siguientes:

"Maybelline" - Fue uno de los dos temas con los que se presentó a la Chess Records y el que llamaría la atención de Leonard Chess. Se trata de una adaptación a ritmo de boogie woggie del tema country de Bob Wills "Ida Red". Con el empuje del afamado locutor Alan Freed llegaría a lo más alto de las listas de música negra y se oiría ampliamente en las emisora blancas. Alcanzaría el puesto 5 en la revista musical Billboard. Trata sobre una carrera de coches entre jóvenes. El grupo de Música Foghat interpretó esta canción, que aparece en su primer álbum de estudio Foghat (álbum).

"Too Much Monkey Business" - Comenta las actitudes de los adolescentes. Inspiró a Bob Dylan en su canción "Subterranean Homesick Blues".

"Brown Eyed Handsome Man" - Trata sobre las actitudes racistas de los adultos, "arrested on charges of unemployment" (arrestado por no tener trabajo).

"Back in the U.S.A." - Inspiraría a los Beatles en "Back in the USSR".

"No Particular Place To Go" - Coches, chicas y frustración.

"Memphis" - Una dulce historia. Lonnie Mack y Johnny Rivers comenzaron sus carreras con esta canción

"My Ding-a-Ling" - Sú único número uno.

"Run Run Rudolph" - Su canción de navidad.

"Oh! Carol!" - Canción que habla de una chica llamada Carol

Entre sus tributos al blues:

"In the wee wee hours"

"Confessing the Blues" - Con la famosa banda de jazz de Jay McShann.

"Merry Christmas, Baby" - Original de Charles Brown

"Route 66" - Escrita por Bobby Troup y originalmente presentada por Nat King Cole, es considerada como un tema de Berry. Existen versiones interpretadas por los Rolling Stones, Pappo y Depeche Mode.

"Things I Used to Do"

Sus canciones han sido recopiladas en álbumes como:

The Great Twenty-Eight - Álbum definitivo de los grandes éxitos de Berry.

Nº 9.- JIMMY PAGE

Jimmy Page, OBE (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra) es un afamado guitarrista de rock conocido por haber sido el miembro líder y fundador del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos, ¹ Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, Led Zeppelin y The Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, Queen, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas de la talla de David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.² Jimmy Page en el último listado de los 100 mejores guitarristas, por la revista Rolling Stone, está posicionado en el 3er lugar.

En 1964, Page recibió una oferta para reemplazar a su amigo Eric Clapton en The Yardbirds, aunque la rechazó como muestra de lealtad hacia su amigo.³ Un año después, Clapton se fue por deseo propio de los Yardbirds, y Page recibió una nueva oferta como miembro de dicha banda, que Page declinó para continuar con su lucrativa carrera como músico de sesión y porque no estaba preparado para salir de gira con un grupo, por lo que recomendó como reemplazo de Clapton a su compañero y amigo Jeff Beck,³ con quien había trabajado anteriormente. El 16 de mayo de 1966, el baterista Keith Moon, el bajista John Paul Jones, el teclista Nicky Hopkins, Jeff Beck y Jimmy Page grabaron el tema "Beck's Bolero" en los estudios IBC de Londres.⁵ Esta experiencia le dio a Page la idea de formar un supergrupo con Jeff Beck, junto con la base rítmica de los The Who: John Entwistle al bajo y Keith Moon a la batería,⁵ aunque la falta de un vocalista pleno y los problemas contractuales congelaron el proyecto.²
Unas semanas después de este fallido proyecto, Page volvió a recibir otra oferta para formar parte de los Yardbirds que aceptó esta vez, por lo que entró en el grupo en calidad de bajista en sustitución de Paul Samwell-Smith, aunque acabó desempeñando el rol de guitarrista líder junto con Jeff Beck después de que Chris Dreja se trasladase a la posición de bajista.³ Sin embargo, el gran potencial musical del grupo se vio interrumpido por las constantes giras y la falta de éxito musical, así como por los conflictos internos. Fueron estos conflictos los que provocaron la marcha de Jeff Beck de la formación, dejando el grupo en un cuarteto.
El primer álbum con Page como guitarrista principal fue Little Games. Este disco recibió críticas mixtas, mientras que no alcanzó las cotas comerciales que se le atribuyeron en un principio, alcanzando el puesto número 80 en el Billboard. Aunque las grabaciones del grupo se orientaban claramente hacia un sonido muy comercial, sus actuaciones eran mucho más experimentales debido a la ascendencia blues de sus composiciones.⁵
Después de la marcha en 1968 de Keith Relf y Jim McCarty, Page, que quería realizar los conciertos pendientes de la banda en Escandinavia, reclutó al vocalista Robert Plant, al baterista John Bonham y al bajista y teclista John Paul Jones para formar un nuevo grupo, que Page nombró como The New Yardbirds pero que sería poco después renombrado como Led Zeppelin. Este nombre fue tomado por Page a causa de un chiste que había contado Keith Moon en la sesión de grabación del tema "Beck's Bolero", en el que decía que la banda caería como un "zeppelin de plomo" (en inglés Lead Zeppelin). Posteriormente, el mánager de la banda, Peter Grant, acortaría el nombre hacia Led Zeppelin para evitar errores de pronunciación con "Lead Zeppelin".⁵

Led Zeppelin

Artículo principal: Led Zeppelin.

Influencia

Page con Led Zeppelin en el Madison Square Garden, 1973

La experiencia de Page como músico de sesión y como miembro de The Yardbirds se hizo notar desde el primer momento. En las labores de compositor, productor y guitarrista, Page ayudó a que Led Zeppelin se convirtiese en una de las más influyentes bandas de los años '70, y de la historia de la música rock, además de influir por sí sólo en numerosos guitarristas posteriores. El riff rápido y orientado hacia el heavy metal de "Communication Breakdown", una canción que aparece en el trabajo debut de Led Zeppelin, homónimo, está considerada por Johnny Ramone, guitarrista de la extinta y primeriza banda de punk The Ramones, como inspiradora del sonido acelerado y potente de la música de su banda. Por su parte, el solo de guitarra de "Heartbreaker", tocado con las dos manos en el mástil de la guitarra, influyó definitivamente en Eddie Van Halen para popularizar esta técnica guitarrera en los años '80. Además, el solo de guitarra de "Stairway to Heaven", compuesto y tocado por Page, está considerado por los lectores de varias revistas musicales como el mejor solo de la historia, mientras que el propio Page fue nombrado guitarrista del año cinco veces seguidas por la revista Creem durante la década de los '70. Por último, Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca.

Nº 10.- CARLOS SANTANA

Carlos Humberto Santana Barragán (Autlan de Navarro, Jalisco, México, 20 de julio de 1947¹ ), es un guitarrista mexicano de jazz rock y rock latino, multiganador del Grammy. Es considerado el 20º mejor guitarrista de todos los tiempos,² según la revista Rolling Stone. Actualmente esta casado con Cindy Blackman, conocida por ser baterista de Lenny Kravitz.
Su padre fue violinista en una banda de mariachi en Michoacán. De joven, Carlos aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Carlos, a los ocho años se dedicó a la guitarra, estudió y emuló los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker bajo la tutela de Javier Bátiz. Mientras tanto tocaba con conjuntos locales como Los T.J.'s del cual era bajista, donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta. Al seguir tocando con diferentes conjuntos a lo largo del recorrido "Tijuana Strip," comenzó a perfeccionar su estilo y sonido.
Al principio se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales, cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California en el año de 1961, pero pronto la siguió, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. Al mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. El destino llevó a Carlos al sitio y época correcta, colocándolo en medio de la floreciente y enorme escena musical que era el área de la Bahía.
En 1965 recibió la ciudadanía estadounidense,³ En 1966 debutó con la Santana Blues Bandy y llegaron, del histórico Filmore West de Bill Grahams al escenario principal del memorable Woodstock Peace, Love, Music festival, donde el 16 de agosto de 1969, Santana entregó a las masas su explosión de rock con sabor latino. Su melodía: "Black Magic Woman" conocida en México como mujer de magia negra" abrió su participación. El tuvo otros éxitos importantes: "Soul Sacrifice", "Jimbo lo-ba-lo-ba", "Gypsy Queen", "Oye como va" con el clásico sonido de Santana raspando la guitarra, y su inolvidable éxito del año 1971: "Samba pa'ti", "Sin depender de nadie", "Guajira". Su albúm Abraxas tuvo ventas importantes en México y Latinoamérica, con el sello CBS.
En 1973 se une sentimentalmente a Deborah King, con quien ha procreado a sus hijos Salvador, Estela y Angélica.

Santana, el solista
Carlos Santana se quedó con el nombre de la banda y continuó su gira por los Estados Unidos con una serie de músicos distintos, lanzando varios álbumes. Durante este período Santana adoptó el nombre «Devadip», conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana colaboró en el álbum de Ottmar Liebert Sólo para ti, en las canciones Reaching out 2 U y una grabación nueva de su propia canción "Samba pa' ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998. Santana fue el único que participó en las dos versiones del cover de Michael Jackson We are the world:

Guitarras y equipos
Sobre sus gustos, se sabe que sus guitarras favoritas son las Paul Reed Smith. Entre otras que ha usado se encuentra una Yamaha SG 2000 y Gibson SG con la que tocó en el famoso Festival de Woodstock. También se le llegó a ver durante los años 70`s con las famosas Gibson Les Paul, Fender Stratocaster, Telecaster ,y también en el 92 en un concierto en Japón, interpretó Blues for Salvador (su hijo), con una Yamaha RGX que en aquel tiempo era un prototipo que sólo habían hecho para él. La Gibson SG roja que Santana usó en Woodstock, se encuentra ahora expuesta en el Hard Rock Café de Marbella.